¿Qué implica el proceso de creación de un álbum de música? ¿Cuáles son los roles de los productores y mezcladores, y quién más participa en el proceso de grabación?

Wow, estas son respuestas fabulosas. Las únicas cosas que puedo agregar pertenecen a la preproducción, la grabación y el papel general del productor.

La preproducción generalmente implica un período de ensayo de la música que se grabará. En esta fase, las canciones pueden examinarse forensemente, a veces completamente destruidas si es necesario para mejorarlas y hacerlas lo más funcionales y buenas posible. También se presta atención a los aspectos de la interpretación de los músicos, es decir, cuáles son sus partes y cómo las están interpretando.

Este es un proceso bastante exhaustivo y puede tomar tan solo unos pocos días o hasta unos pocos meses, dependiendo de la escala relativa, el presupuesto, etc. En este punto, el artista (s) puede estar escribiendo más canciones, lo que puede entonces, ser introducido para su lectura y posible inclusión en la grabación.

Cuando esta etapa se completa y comienza la grabación, generalmente es el papel del productor supervisar todo el alcance del proceso de grabación. Mientras que algunos productores son principalmente ingenieros (y menos expertos en referencia a la estructura de la canción, la guía de la banda, etc.), algunos productores son principalmente compositores, algunos no están presentes para las grabaciones (y usan su nombre como un imprimatur mientras manejan libremente varias sesiones) y algunos intentan abordar todos los aspectos del proceso, desde la sopa hasta las nueces (asegurándose de contar con asistencia suficiente en áreas en las que son menos competentes).

En el caso del productor que supervisa todo el proceso, no solo debe tener al menos un conocimiento superficial de composición de canciones, arreglos de canciones, ingeniería, etc. Además, tiene una visión, una idea en su cabeza (aunque mutable) con respecto a cómo se ve cada grabación, cómo sonará y cómo resultará. Por supuesto, las cosas cambian constantemente y también lo hará esta visión, pero siempre está ahí para el productor de una forma u otra.

Este productor a menudo se encuentra en una posición en la que debe abordar temas que son incómodos (canciones o estructuras de canciones que no funcionan, miembros de la banda que tienen problemas para hacer su trabajo, etc.) y entrenar músicos cuando necesitan apoyo, aliento o un mano fuerte En este caso, un buen productor necesita habilidades interpersonales; debe ser un poco psicólogo y tener la capacidad de empatizar con los demás. En lugar de persuadir o presionar a un artista para que haga las cosas “a su manera”, la responsabilidad del productor es demostrar por qué una idea que tiene será beneficiosa para el artista, supuestamente, más de lo que se está utilizando actualmente.

Cuando hice nuestro primer álbum, no tenía un contrato discográfico y no tenía un plan. Mapeé el disco de antemano e hice este álbum de 17 discos. Quería canciones impulsadas por hombres, canciones impulsadas por mujeres, un interludio, etc. Era todo lo que podía hacer en mi habitación y lo colocamos todo junto lentamente.

Personalmente, planeo todo de una vez y luego construyo las canciones parte por parte con el tiempo. Primero pienso en la estructura: el flujo de todo el álbum, y luego miro cada canción y me pregunto cuál es su función dentro del marco más amplio. También trato de pensar de qué trata la canción en su núcleo fundamental. Y, como no canto, empiezo con cualquier instrumento que tenga sentido y la canción se construye de una vez. La parte emocionante es que una vez que haces la canción, el producto final tiene todos estos ingredientes diferentes. Pero, ahora que San Fermín está firmado, estoy seguro de que el proceso de grabación será muy diferente.

Siempre empiezo con la música primero y luego generalmente tengo una lista de deseos de los cantantes que puedo imaginar en una canción en particular. También quiero probar cosas nuevas también. Por ejemplo, la canción que escribí con Snoop es un disco de Reggae-Dubstep, que nunca escribo. No es totalmente lo que esperarías, pero quería probarlo. Entonces, escribí un concepto general, se lo envié a Snoop, él me envió su voz, yo reescribí su voz y luego la desarrollé. Ese es esencialmente el proceso con cada cantante con el que trabajo. A veces somos más prácticos. Con Empire of the Sun, escribí una versión que podía tocar en el club, luego llevé a Luke Steel al estudio conmigo. Se nos ocurrió la estructura de escritura de canciones para las voces y cómo encajaría en nuestros mundos combinados. Él escribió instrumentación y sintetizadores analógicos, luego regresé y lo cambié aún más y ahora está en un lugar que nunca había visto ni escuchado antes. Lo llamo nuestra “Rapsodia electrónica de la música dance”. Es una rapsodia bohemia para la música dance. Encuentro este proceso emocionante porque nunca hubiera conseguido la canción hasta el punto de que fuera sin él. Es una verdadera colaboración. Me encanta trabajar con cantantes que tienen sentido y conocimiento musical pero que también pueden tocar instrumentos.

Aunque generalmente escribo la música primero, a veces utilizo un proceso diferente en el que le doy a un cantante un ritmo crudo y les hago cantar diferentes líneas una y otra vez en la cabina. Luego, encontraré un bucle y me enfocaré en esa sección de ocho compases y construiré una canción con solo sus voces. Me parece que cuando puedes trabajar con alguien desde cero, que es lo que hice con Control Freak, se te ocurre algo completamente diferente. Escribí un ritmo que pensé que le gustaría, pero realmente no funcionó, así que comenzamos desde cero. Escribí un ritmo simple y algunos ritmos diferentes. Se estaba inspirando en esos ritmos, y comenzó a escribir una canción, solo las líneas superiores, luego escribí la estructura melódica bajo su voz y comencé a diseñar todos los sintetizadores y la base del sonido, y decidí qué batería usar. Fue asombroso.

Tener un plan y ser organizado es clave.

1. Necesitas tener la música. La música es arte, por lo que no siempre sucede cuando te propones escribir una canción o una composición. Algunos músicos pueden pasar años escribiendo su música, mientras que otros pueden hacerlo en semanas. Hay muchos factores Pero te sugiero que nunca te apresures ni sacrifiques nada.

2. Preproducción. Puede invertir poco dinero en una grabadora digital o incluso en un nivel básico de herramientas profesionales. Grabe todas sus canciones usted mismo o con su banda. La calidad no es importante. Todo lo que importa aquí es que puedes escuchar las canciones y las partes. Preproductions te ayuda a ti, al productor (si tienes uno) y al ingeniero de grabación a tener una buena idea del estilo y hacia dónde quiere ir la banda. También le ayuda a hacer ajustes y agregar o quitar cualquier parte que realmente no funcione.

3. Encuentre un buen estudio de grabación / ingeniero. No desea grabar en la habitación de alguien con una computadora portátil y un micrófono de radio de $ 50. Un estudio profesional debe tener una buena selección de preamplificadores de micrófono externos, micrófonos, software, hardware, etc. También una buena consola de mezclas y una buena combinación de equipo analógico y digital. El ingeniero debe tener experiencia y reproducir ejemplos que lo sorprendan. Si puede pagar un productor, le sugiero que obtenga uno.

Probablemente gastará entre $ 350 y $ 750 en promedio para grabar cada canción. Entonces, un álbum de 10 canciones costaría $ 3500 a $ 7500 para una banda de 4 a 5 piezas que está bien preparada.

Es mejor grabar las pistas básicas de una vez cuando sea posible. Específicamente la batería y el bajo. Luego sobregraba guitarras, teclas, voces, cuernos, etc.

Una vez que todo está registrado y a su gusto, el siguiente paso es mezclar.

4. Mezcla. Si las canciones se graban bien, debería poder obtener buenas mezclas en 3 a 5 horas. Si grabó pistas básicas de una vez, eso acelerará el proceso de mezcla ya que el ingeniero puede usar muchos de los mismos ajustes una vez que marca buenos sonidos.

Probablemente gastará entre 100 y 150 en promedio para grabar 10 canciones con una banda.

5. Dominio. Una vez que se mezclan las canciones, desea que se dominen profesionalmente. Sugeriría dejar que un ingeniero diferente haga el master. Asegúrese de que tengan equipos y experiencia reales. Verifique su historial y sus credenciales. El dominio endulzará todo y también lo nivelará todo.

Walla! ¡Su registro está listo para descargar y replicar CD!

Peter Kuperschmid

http://www.oceananalog.com

El Sol sale como lo ha hecho durante los últimos 100 años más o menos.
(No sé cuándo se lanzó honestamente la Tierra, ¿quién sigue?)
Y una vez más, la oportunidad ha llegado durante un año para llenarse con el orgasmo auditivo del nuevo arte para dar forma al futuro del universo en esa búsqueda interminable para descubrir el número 2 en binario.

Esto requiere el enfoque y la colaboración de músicos que realmente puedan conjurar Magic con Melody. Se requiere … Mugicians.

Durante un par de décadas, las cosas se movieron rápidamente y el oído eróticamente hacia adelante. La música no solo estaba siendo producida por numerosas fuentes diferentes, géneros y energía, sino que estaba impulsando la evolución de la conciencia humana al explorar y expandir nuevos territorios. Los géneros unicelulares se dividieron en direcciones multicelulares bellamente enfocadas y refinadas (sin mencionar el platino). Oh, sí, damas y caballeros, el futuro de Audio Art parecía realmente prometedor. El acervo genético de talentos era rico en muchas perspectivas innovadoras, que no solo refinaron su habilidad apasionadamente, sino que también adquirieron la disciplina y el respeto por el impulso de MEJORAR y EXPLORAR.

Los años 80 estaban a la vuelta de la esquina y todos tenían curiosidad por ver qué música alteradora e inspiradora de la vida produciría …

Tristemente…
Algo salió mal…

A medida que la técnica y el género se expandían, también lo hicieron nuestras herramientas tecnológicas. Y el nuevo triunfo tecnológico estaba a punto de agregar una bomba nuclear de posibilidades a las manos capaces y hambrientas de los artistas. Se llamó a este dispositivo de cambio de historial. MIDI Y con él vino un dispositivo llamado controlador MIDI. Este nuevo dispositivo no solo eliminó la necesidad de adquirir los años de entrenamiento necesarios para tocar decentemente un instrumento, sino que le dio a los humanos la capacidad aparentemente divina de aplicar esto a cualquier instrumento, ya que podría sintetizar casi cualquier sonido. Y bien también. Esto allanó el camino para el futuro de la música. Nos dio las herramientas necesarias para saltar hacia adelante y enfocar la energía en descubrimientos aún más increíbles, al acortar el tiempo necesario para dominar un instrumento astronómicamente. De repente, artistas como los inspirados en The Doors tenían nuevas puertas abiertas para explorar y evolucionar la música a una calidad insondable. O eso pensamos …

En cambio, lo que sucedió es que los hacks sin talento ahora podrían aprender una simple memoria muscular en segundos, lo que les permitiría crear ritmos o tonos aparentemente hábiles sin adquirir la disciplina o el respeto hacia el arte necesario. Cualquier Tom, Dick y Harry Potter fácilmente tuvieron la oportunidad de crear su propio arte. “Ok”, pensaron los artistas.
Las personas pueden discernir el Arte de las cosas que nacen sin Corazón.

Lamentablemente … resultó que la mayoría de la gente … En realidad eran Sheeple
Y la exploración artística, la inspiración y la innovación quedaron en segundo plano a más y más copias de una fórmula ya establecida. Cualquiera podría tomar el género creado por el innovador original y simplemente mezclar los bloques para que suene como algo nuevo. La fórmula estaba justo ahí. Se volvió tan fácil como hacer cereales por la mañana … Solo agregue leche … No se necesita talento artístico … las baterías se venden por separado.

Este fue el comienzo del fin de diversos talentos. Y Musical Genius … se volvió cada vez menos común. Como vimos el nacimiento de la próxima gran cosa. El otro día estaba escuchando la radio en mi auto, y apareció un anuncio promocionando los premios de música MTV. Una de las ceremonias de reconocimiento y reconocimiento musical más grandes * dedicada a dar crédito y honor a los artistas que simplemente encabezaron la cadena alimentaria. Los machos alfa y las hembras del arte forman. Los que todos deberían adorar más.

“¡Reserve ahora en su boletería más cercana! Venga a ver su favorito … Actos de música ……….”.

De repente sentí un escalofrío en mi columna. “¿De Verdad?” Pensé. ¿Ya se ha vuelto tan obvio? Ya ni siquiera lo están escondiendo. La gente simplemente no lo nota. No se dieron cuenta de que los músicos y artistas ahora estaban muertos. Y han sido reemplazados … por actores que actúan audioarte …
Actos musicales de hecho …

Ahora puede preguntarse qué tiene que ver todo esto con su pregunta. Y si miras de cerca …
Su pantalla puede estar demasiado cerca y debe retroceder un poco.
Pero si luego miras, verás el problema con todo.

Hemos creado REGLAS sobre cómo se crea el arte. Tenemos HERRAMIENTAS y MANUALES que deben seguirse estrictamente. Porque así es como se crea el arte. A través de software, ingenieros y productores.

usa Ableton …
La razón tiene la mejor batería …
Si no usas un Auto Tune no eres digno …
Asegúrese de que FEAT Usher o no se venda.

Mi amigo…
Solo hay una cosa involucrada en la música verdadera …
Pasión y Corazón …
Podrías crear un álbum musical con un dictáfono Samsung, 3 ollas, un gato callejero con 3 patas y los dedos de tus pies.
Si invoca emoción en ti … es música. Es arte.

No hay una sola forma de hacer esto. Lo único involucrado es lo que eliges. Y confía en mí, hay miles de formas diferentes que aún no se han descubierto.

Sin embargo, las posibilidades de que se preguntara qué implica crear un álbum de acto musical son mayores. Lo más probable es que esta no fuera la respuesta que estaba buscando.

(Suspiro … Un hombre todavía puede soñar, ¿verdad?)

Para un álbum con letra:

ESCRIBIR LA MÚSICA

El primer paso para crear un álbum es escribir música / letras, que es gratis. Te sugiero que no compres letras de otra persona cuando comiences. Antes de comenzar a escribir canciones, debe escuchar sus jams favoritos y ver qué tienen en común. Cuando encuentre las similitudes, puede comenzar a hacer una lluvia de ideas para su canción. Recuerda incorporarlos a tu canción. Cuando estés escribiendo la letra, asegúrate de hacerte preguntas. ¿Sobre qué estoy escribiendo? ¿Cuál es el estado de ánimo de la canción?

COPYRIGHTING SUS CANCIONES

Después de que estés contento con toda tu canción, querrás tener derechos de autor. Puede hacer un copyright de las canciones en el sitio web oficial de copyright por unos 50 dólares de la Oficina de Derechos de Autor de EE. No importa cuántas canciones pongas, el precio es el mismo, así que te sugiero que hagas muchas canciones antes de que comiences a proteger tu música.

PLANEANDO EL ALBUM

Cuando sus canciones tengan derechos de autor, comience a revisarlas nuevamente. Clasifique sus canciones de mejor a peor, esto será útil más adelante. Ahora lo que quieres hacer es planificar cómo vas a hacer tu álbum. Averigüe si desea alquilar un estudio de grabación o comprar un software de grabación en sus dispositivos electrónicos. Averigua si quieres contratar amigos y músicos profesionales para los instrumentos o usar una caja de resonancia.

GRABANDO SU ÁLBUM

A estas alturas ya debería haber averiguado dónde desea grabar, cómo desea grabar y con quién desea grabar. Si elige alquilar un estudio de grabación, debe configurar todos sus instrumentos antes de grabar. Sugeriría utilizar un filtro en su micrófono si desea que la música de su álbum suene mucho más profesional. El resto del proceso de grabación se explica por sí mismo.

TWEAKING LAS GRABACIONES

Cuando haya obtenido las grabaciones de sus canciones correctamente, ahora querrá usar un software en su computadora para ajustar la cantidad de reverberación, autoajuste y cualquier otra característica que desee en su canción.

DISEÑANDO UNA CUBIERTA DE ÁLBUM

Puedes contratar a alguien o hacerte propietario con un software de diseño gráfico. También puedes usar Photoshop. Ten en cuenta si tienes contenido explícito para poner el signo de aviso parental en la portada de tu álbum.

PONER LA MÚSICA EN LÍNEA

Sugiero que publique su álbum en la nube de sonido. Cargue su música y audio y compártalos con el mundo. Si desea que su música aparezca en Spotify, debe cargar su música en i-tunes. I-tunes en realidad tiene una función donde puedes subir tu propia música. El único inconveniente es que debe hacerlo a través de su computadora y no puede hacerlo a través de su teléfono.

(Si quisieras saber sobre canciones sin palabras, me temo que esta información no te será tan útil)

Firmando ~ Amy

Además del excelente resumen de Matthew Russell, creo que le gustaría ver una respuesta a otra pregunta similar:

La respuesta de Geordie Keitt a ¿Cuáles son las etapas de grabar una canción en un estudio profesional?

Composición
Muchas actividades de creación de canciones suceden en el estudio, ya sea componiendo una canción desde cero, agregando un puente o retocando una letra. El hecho de que la banda esté en el estudio no significa que el proceso de composición se detenga.

Roles en el estudio
Además de los músicos, hay cuatro personas clave en un concierto de grabación: el productor y el ingeniero, el mezclador y el maestro.

El productor mantiene a la banda con los estándares de la visión para la grabación. Él suele ser el que tiene la última palabra cuando las pistas son lo suficientemente buenas y los músicos han terminado de grabar una parte en particular. El ingeniero utiliza la tecnología en el estudio para lograr los objetivos de la sesión. Si el productor quiere más “agallas” del cantante, el ingeniero encuentra la configuración correcta de micrófono y compresión para que esto ocurra en la cinta. El mezclador toma las pistas grabadas y ayuda al productor a realizar la visión del álbum al poner los sonidos en la relación adecuada entre sí. El experto en masterización da los toques finales al producto, establece niveles y hace que todo suene como una pieza unificada de trabajo.

Grabación en capas
La mayoría de las grabaciones ocurren en capas, como una pintura. Un artista comienza con un color base, y luego desbasta en formas básicas en varios tonos relacionados, luego agrega más detalles en la parte superior. Lo mismo sucede con una grabación musical. La capa más básica es la pista de clic que establece el tempo de la canción. Una vez acordado el tempo, se establecen las pistas de ritmo guía, generalmente una simple secuencia de batería. Luego, las guitarras guía / bajo / teclas se colocan sobre la parte superior, para bloquear la estructura de la canción y establecer la sensación adecuada para la canción. Luego se colocan las voces guía, de modo que las pistas finales se pueden reproducir con la melodía adecuada.

Ahora que las pistas de guía están abajo, la banda puede comenzar a grabar las partes que se escucharán en la mezcla final. Esto se puede hacer en vivo, con toda la banda tocando a la vez, pero a menudo se hace una parte a la vez. Por lo general, el baterista interpreta su parte hasta el final, volviendo a grabar tantas tomas como sea necesario para obtener el sonido correcto en cada sección de la canción. Luego el bajista pone su parte final, luego las teclas y la guitarra rítmica. La guitarra principal y las voces se hacen a continuación, con la voz de acompañamiento puesta al final.

Cualquiera o todas estas capas se pueden hacer en cualquier estudio en cualquier parte del mundo por cualquier combinación de jugadores y ayudantes.

Mezcla y masterización
Todas las partes se graban en pistas separadas, a menudo múltiples pistas por instrumento. El mezclador decide cómo suena cada pista individual y colectivamente. Usan una analogía espacial para separar los sonidos para que el oyente pueda escucharlos a todos claramente.

Pan controla la dimensión izquierda / derecha del sonido de la pista. En la música pop, generalmente el bombo, el bajo y las voces principales son las únicas pistas en el punto muerto. Todo lo demás se desplaza hacia la izquierda o hacia la derecha, un poco o mucho, para llenar el “campo estéreo”.
La frecuencia y el ecualizador controlan la dimensión arriba / abajo del sonido en el espacio. Los tonos más bajos suenan, bueno, los tonos más bajos y más altos suenan más alto. Más importante, cada pista consta de una amplia gama de frecuencias armónicas, también conocidas como parciales, que se han grabado en varios niveles. Estos determinan el timbre de la pista. EQ (abreviatura de ecualización ) simplemente cambia el nivel de énfasis de estas diversas frecuencias. Es importante que no todas las pistas enfaticen la misma banda de frecuencias, de lo contrario, el oído no podrá distinguir una parte de otra.
El nivel y la reverberación controlan la dimensión cercana / lejana del sonido en el espacio. Si el productor quiere que las voces suenen como si estuvieran cantadas directamente en la cara del oyente, entonces la pista se mezclará a un nivel más alto que las otras pistas y con una reverberación muy ligera, como si el sonido llegara al oído no afectado por el entorno. habitación. Comúnmente, la voz principal, la guitarra principal y la caja se mezclan en la parte delantera, ruidosas y relativamente secas. Las pistas que deben sonar como si fueran compatibles con estas pistas principales se mezclan más bajo y con más reverberación, para colocarlas más atrás en la sala.

La masterización se trata de crear un sonido unificador y un brillo brillante en todas las pistas. Las herramientas más comunes para la masterización son algunas combinaciones de compresión, reverberación y ecualización. Es un arte sutil. La diferencia entre pistas mixtas y pistas masterizadas es fácil de escuchar pero difícil de describir.

Nuevamente, estos pueden hacerse en diferentes lugares y por diferentes personas. Por lo general, un álbum es mezclado o masterizado por una sola persona o equipo, pero no siempre.

¡Espero que esto ayude!